Dit bericht is ingediend onder:
HOOPPAGINA HOOGTEKENINGEN,
Interviews en kolommen
KC
Door KC Carlson
We hebben de laatste tijd veel gesproken over het vertellen van stripverhalen, vooral van de zogenaamde gedecomprimeerde vorm die momenteel in zwang in stripverhaal is. (Hopelijk zag je de uitzonderlijke vergelijking van Roger tussen decompresseerde en standaard verhalen vertellen vorige week. Zo niet, ga hier nu.) Ik heb besproken hoe het betrekking heeft op de dekkingsprijs, het formaat en de publicatiegeschiedenis van de strips vorig keer in mijn column. Deze keer wil ik nog een paar meer ideeën en concepten weggooien om het onderwerp af te maken, zodat ik op andere ideeën kan stappen. (Die lezers misschien veel leuker vinden dan voortdurende revolutie rond een enkel onderwerp, zelfs als het een van de bepalende kenmerken van de strips van onze tijd is.)
Redactioneel advies
Toen ik in de vroege jaren 90 begon met het bewerken van verhalen op DC, was een van de eerste cruciale stukken aanbevelingen die ik ontving op hun hoede voor schrijvers die meerdelige verhalen willen pitchen. Deze waarschuwing werd bijna altijd gevolgd door kleurrijke anekdotes over enkele van de grootste schrijvers in de stripgeschiedenis die probeerden hun 12 pagina’s plot in te vullen in twee of drie-uitgavenverhalen. Dat ik deze aanbevelingen hoorde van uitstekende redacteuren als Dick Giordano, Archie Goodwin, Denny O’Neil, Mike Carlin, Paul Levitz en Andy Helfer, ramden alleen maar naar huis hoe cruciaal het was. Tegelijkertijd versterkte het hoe gangbaar de techniek van een schrijver het was. Velen van hen gaven toe dat ze door de praktijk van tijd tot tijd waren opgenomen (en een paar gaf ook toe dat ze er af en toe als schrijvers zelf mee waren weggekomen), wat alleen maar onderstreept hoe cruciaal het was voor redacteuren om waakzaam te zijn. Ik begreep ook dat dit een van de belangrijkste aspecten zou worden in hoe ik als redacteur werd beoordeeld.
(Terzijde, hoe cool was het om dat niveau van redactionele oordeel en ervaring beschikbaar te hebben, vaak in een niet -gepland gesprek in de gang, of in een incidentele redactionele onderwijsconferentie? Het was echt een goed moment om bij DC te zijn.)
Dood van Superman
En ja, ik werd ook een paar keer opgenomen, maar uiteindelijk leerde ik de schrijvers waarmee ik werkte in twijfel trekken en uitdagen. Ik heb ook veel belangrijk geleerd, toen het gepast was om een lange, meerdelige verhaallijn te doen. Maar het was ook een verwarrende tijd. DC probeerde in publicatiegevoel altijd nieuwe miniseries te vinden, die automatisch ten minste een verhaal met vier uitgaven aangaven. En ik begon toevallig aan het verhaal dat een deel van mijn beroep bewerkt, net zoals de dood van Superman (en de nasleep ervan) en Knightfall uit de kant van mij uitrolden. De verhaallijn van het evenement werd geboren bij DC.
Gelukkig was er met het creatieve en redactionele talent achter veel van die vroege evenementen normaal genoeg verhaal en plot-schokken om de extreme lengte van veel van de series te rechtvaardigen. En niemand kan ontkennen dat ze verkoop waren, of in de dood van Superman’s zaak, media, successen.
Detective Comics #704
Het stripboekevenement werd zo gangbaar, vooral in de vleermuisboeken als Knightfall Knightsend verwekte die PreDigal enzovoort bevond, dat af en toe Bat-titels brutaal een “deel 1 van 1” pictogram zouden hebben op hun zeldzame gedaante-in- Eén verhalen tussen gebeurtenissen. Ik mis die dagen.
(Mijn vrouw Johanna heeft een andere herinnering dan de fan-kant van de tijd. Ze herinnert zich internet en fanzine-discussies over de periode over het willen van veel meer “gedaan in één” verhalen, wat misschien was waar de bat-titels naar verwijzen. Daar daarnaar. Was toen veel geklets over hoe cruciaal het was om op zichzelf staande verhalen te hebben en hoe ze speciaal nodig waren voor nieuwe lezers … maar als ze zich goed herinnerde, zeiden redacteuren die probeerden dat idee later te promoten dat “er in één” niet was gedaan ” Verkoop bijzonder goed. Een ander voorbeeld van verkooppatronen die niet overeenkomen met wat analisten denken dat klanten willen.)
Ik heb een idee over een idee …
Nog een ding dat Paul Levitz me vertelde – en ik parafraseer hier – iedereen heeft ideeën. Wat editors moeten proberen te vinden, zijn de uitzonderlijke ideeën, degene die jij en je makers niet kunnen wachten om in afdruk te komen en te delen met de wereld.
Later overwoog ik wat Paul had gezegd in termen van stripgeschiedenis. Ken je die stripboekverhalen die je nog jaren – en zelfs decennia – later herinnert? Dat waren de echt goede ideeën. Al die strips die je bent vergeten? Dat waren ook ideeën – alleen niet erg goede. Of memorabele. (Je herinnert je daarentegen waarschijnlijk ook de echt, echt slechte ideeën. Zoals toen de Legion -meisjes de kinderen van de kinderen hebben gedood en dan gedanst. Mijn punt hier is dat degenen die bij je blijven op de een of andere manier uitzonderlijk zijn. ))
Nieuwe Teen Titans #8
Goede schrijvers moeten instinctief weten wat de uitzonderlijke ideeën zijn. En veel van hen moeten weten dat ze er vaak maar weinig tussen zijn. Elke schrijver begint met niets – starend naar een leeg stuk papier of een grimmig, leeg computerscherm – wachten op inspiration. Af en toe is er geen. Maar er zijn nog steeds deadlines om te ontmoeten. Als je dat geweldige idee vindt, waarom probeer dan niet uit te spelen voor alles wat het waard is? Dat is beter dan steeds opnieuw in de leegte staren. Waarom zou u geen extra vechtscène of drie in gooien om het plezier uit te breiden? Of waarom geen probleem of twee nemen om het donkere verleden van een van je personages te verkennen, zelfs als het niet direct relevant is voor je huidige verhaallijn? Of hoe zit het met dat verhaal waar je superkarakter een vrije dag heeft, zoals populair in de nieuwe Teen Titans van Wolfman en Pérez?
Dat laatste voorbeeld werd zo gangbaar in de vroege jaren 90, het vormde de basis van een van mijn favoriete duurzame DC -herinneringen. Tijdens een redactionele bijeenkomst raakte uitvoerend redacteur Mike Carlin zo gefrustreerd over het huidige gebrek aan actie in bepaalde DC -titels dat hij in pure ergernis brulde: “Ze kunnen niet allemaal‘ A Day in the Life ’verhalen zijn! Iemand moet af en toe iemand anders slaan! ”
Inderdaad.
Andere huidige factoren
De stripschrijvers van vandaag hebben ook andere externe aspecten die hen onder druk zetten. Het is ideaal om een goede werkrelatie te hebben met de rest van de medewerkers van je creatieve team, en het hart van een goede samenwerking is het verband tussen schrijver en kunstenaar (met name de penciller). Dit is vooral het geval wanneer de twee makers samenwerken aan een reeks problemen of verhalen. Het is geen stuk om af en toe naar deze artistieke combinaties te verwijzen als een creatief ‘huwelijk’, omdat de partnerschappen veel dingen gemeen hebben met die standaard romantische koppeling: veel geven en ideeën, werkmethoden, constructieve kritiek, hoe Het beste om om te gaan met meningsverschillen en argumenten, en zelfs uit te zoeken hoe u het beste samen kunt werken, terwijl we elkaar de ruimte geven om te werken en als individu te creëren. In het ideale geval kan een creatief ritme en afhankelijk zijn uitgewerkt tussen de medewerkers, zodat artistieke “magie” kan worden gemaakt.
Dit soort chemie is zo relatief zeldzaam, daarom zullen veel artiesten en schrijvers hun best doen om een goede creatieve combinatie levend te houden. Je kent veel van de geweldige. Sommige van mijn recente favorieten zijn Loeb en Sale, Bendis en Immonen, Waid en ‘Ringo en Dezago en’ Ringo (Mike is zo gemist …), Busiek en Pacheco, Abnett en Lanning, en in eerdere jaren, Wolfman en Pérez, Claremont en Byrne, en natuurlijk, Lee en Ditko en Lee en Kirby.
Ik las onlangs een bericht waar een schrijver het had over de artistieke eisen van zijn medewerker. De kern ervan was dat de kunstenaar plat verklaarde dat hij geen enkele pagina zou tekenen met veel meer dan vier of vijf panelen erop. Deze verklaring kan op verschillende manieren worden geïnterpreteerd. Het kan een gevolg zijn van de kunstenaar die zichzelf probeert te beveiligen van ‘groene’ schrijvers die proberen te veel verhaal of dialoog in één pagina te proppen. (Een veel voorkomende beginnersfout, en er zijn er tegenwoordig zeker veel beginnende schrijvers, niet?)
Superman #152. Robots altijd gelijke actie.
Het kan ook zijn dat de kunstenaar opzettelijk probeert het aantal “onverkoopbare” pagina’s op de oorspronkelijke kunstmarkt te verminderen. De dingen die het beste verkopen (en voor het meeste geld) als originele kunst (in willekeurige volgorde) zijn covers, spreads met volledige of twee pagina’s met spectaculaire actie of buitengewone details, en pagina’s met de personages- in kostuum- in ” iconische ”momenten. Dingen die normaal niet verkopen: pagina’s met veel panelen met personages (meestal in straatkleding) staan rond praten. Zodat die reeks van vier pagina’s zich afspeelt in de dagelijkse planeet-tenzij Lois er echt heet uitziet, of Perry White Jimmy Olsen (herhaaldelijk) in het gezicht slaat om zijn latte verkeerd te hebben-definiëren die pagina’s “onverkoopbaar” en zullen waarschijnlijk niet veel halen als originele kunst.
Gezien dat lijkt het erop dat kunstenaars die zich zorgen maken over het verkopen van hun kunstwerken na het feit dat er normaal tegen de gedecomprimeerde verhalen zou zijn … tenzij het verhaal natuurlijk opgeroepen om pagina’s en pagina’s met vechtscènes … met veel volledige pagina’s en spreads met dubbele pagina’s Dat voegt niet veel toe aan het lopende verhaal, maar ziet er zeker cool uit (en zal een klein fortuin op de kunstmarkt opleveren). Welk soort definieert waar het gedecomprimeerde verhalen over gaat, nietwaar?
Tijd om te decomprimeren
Gedecomprimeerde verhalen van verbazingwekkende X-Men #14
Hoewel decompressie vaak wordt vastgehouden tegen de schrijvers van strips, is decompressie technisch gezien een visuele verhalenkeuze, die vaak een beslissing van de kunstenaar heeft genomen. De beste manier om een reeks gedecomprimeerde kunstwerken te beschrijven, is een pagina (of twee, of langer) van een enkele scène waarin de achtergrond en andere statische elementen exact hetzelfde blijven over een aantal panelen, terwijl alleen bepaalde elementen (het hoofdpersoon (het hoofdpersoon In de scène, of enige actie, normaal gesproken in slow-motion) zijn al die “bewegen”.
Het vuile kleine geheim van de productie van dergelijke scènes is dat de kunstenaar slechts één keer de achtergrond en de statische elementen hoeft te tekenen. Vervolgens kunnen ze steeds opnieuw mechanisch worden gereproduceerd. Als de achterkantDe grond kan goed worden ingeburgerd over een aantal pagina’s, dit verkort echt de hoeveelheid daadwerkelijke tekentijd voor een kunstenaar, hoewel hij hetzelfde heeft betaald voor elke volledige pagina van kunst. Ik heb eigenlijk sequenties gezien die zo statisch waren dat alleen de gezichtsuitdrukkingen van paneel naar paneel veranderden – dus dat was alles wat de kunstenaar moest tekenen. Vroeger werden deze gesteld, uitgesneden en rechtstreeks geplakt naar de kunstborden. Tegenwoordig (neem ik aan) dit gebeurt allemaal op de computer – mogelijk door een van de kunstenaars zelf.
Dit is trouwens een idee van animatie. Veel tekenfilms zijn gemaakt met statische achtergronden, afzonderlijk van de figuren gefilmd, zodat beide kunnen worden verplaatst voor individuele cam -opnamen. En in old-school-stijl ‘beperkte’ animatie, alleen het hoofd van het personage, of een arm of benen lopen (gefilmd als een herhalende cyclus) ooit verplaatst, en alleen die elementen moesten worden geanimeerd. (Nogmaals, dit is old school – veel animatie is tegenwoordig CG.)
Groter dan wij ook denken
Ik had gehoopt een beetje meer te betreden over hoe de huidige trends van het vertellen van verhalen de hele stripindustrie beïnvloeden, van kwesties van opmaak tot hoe de huidige strips op de markt worden gebracht en verkocht. Het is zelfs van invloed op hoe terugproblemen worden behandeld en patronen voor het bestellen van strips door retailers. Plus, waarom het toch niet uitmaakt.
Dus mijn introductie was verkeerd. Ik heb hier veel meer over te zeggen. Maar ik wil ook alle details goed krijgen, en ik word momenteel afgeleid door andere deadlines en het leven zelf. Trouwens, strips kunnen iets minder uit de hand gelopen gebruiken. En dit is ingewikkeld dingen, met één ding dat verschillende andere dingen heeft, dus ik wil het goed doen. Dus hier later nog veel meer over.
Volgende week: 10 dingen, en onze eerste reeks verzoeken met de aangekondigde wijzigingen van Marvel en DC -prijs. moet interessant zijn.
KC Carlson heeft net een dozijn komische titels van zijn reguliere leeslijst laten vallen. Normaal gesproken zou hij zich daar slecht over voelen, maar veel van zijn oude vrienden in druk zijn verder gegaan en verschillende mensen worden, en ze zijn niet echt het soort mensen met wie hij meer wil ophangen. Hij kan hen niet echt helpen totdat ze zich realiseren dat ze op een slechte plek zijn en er iets aan willen doen. Dus het was tijd om op te stappen. En hij kijkt er echt naar uit om dat geld te gebruiken om nieuwe vrienden te ontmoeten! Misschien kan hij zelfs weer samenkomen met een paar oude vrienden die al een tijdje op die slechte plek waren, maar zich daar onlangs uit hebben gehaald. Dus hij wil er zijn om welkom terug te zeggen!
Het is een heel moeilijke les om te leren, maar het is een echt teken van volwassenheid om te beseffen dat het enige dat je kunt doen, is om weg te lopen, vooral als je niets meer kunt doen om daadwerkelijk te helpen.
Klassieke stripcovers uit de Grand Comics -database.